7 jun. 2016

Arte contemporáneo en el Mac Florencio de la Fuente de Huete (Cuenca)

El próximo sábado 11 de junio a las 13.00h se inauguran 4 exposiciones en el Museo de Arte Contemporáneo Florencio de la Fuente en la localidad de Huete (Cuenca).


"4.000 PAJITAS DE COLORES"
Intervención artística de Héctor Francesh
del 11 de junio al 18 de septiembre de 2016
"Me interesa pintar sin pintura. Me interesa convertir en objeto artístico aquello que a priori no lo es. Me interesan los materiales no nobles, los objetos cotidianos que nos rodean y que nunca pensaríamos que podríamos usar en la práctica artística. Con ellos, mediante la acumulación y el ensamblado, puedo crear una imagen plástica con reminiscencias a la pintura tradicional.
En esta ocasión, presento una instalación flotante, realizada con 4.000 pajitas de beber engarzadas de 3 en 3 y entre sí. Este resultado para mi, no son más que dibujos, garabatos, una manera de dibujar en el aire expandiéndome del dibujo en soporte plano."
Héctor Francesh, 2016.
WEB DEL ARTISTA: www.hectorfrancesch.com
 "DE NORTE A ESTE" 
Doble intervención artística de Ruth Montiel Arias
del 11 de junio al 18 de septiembre de 2016
INSTALACIÓN 1: "THE LAST PRIMARY CORE"
Nuestros cielos están mutando. Inmensas estelas químicas invaden el paisaje atmosférico no siendo este un fenómeno natural; es la especie humana la que vuelve, como una célula destructiva, a realizar actos de experimentación que están malformando no sólo nuestro techo natural, sino también nuestro suelo.
Una capa opaca rodea el tema denominado Chemtrails. Mito, conspiración, armamento, control meteorológico, fumigación, etc. Cientos de científicos confirman una realidad: desde que comenzaron estos acontecimientos, en puntos del mundo donde no hay explotación comercial la tierra se encuentra contaminada. Añadamos estos datos a las tierras de cultivo y recapacitemos.
INSTALACIÓN 2: "水, 毒, 道 – AGUA, VENENO, CAMINOS"
19. 225 mariposas baten sus alas mientras atraviesan los caminos hacia un nuevo destino. El sonido es atronador, como una inmensa ola que se lleva por delante pueblos y ciudades. Los niños miran expectantes y las señalan mientras sus padres, rápidamente, les ponen mascarillas. Se respira algo extraño en el aire.
Ellas van encontrado la salida, una pequeña luz en la oscuridad y mientras abandona el camino, su cuerpo cae como esa hoja de otoño.
El pueblo de Japón vive con la creencia de que el alma está en cualquier cosa. Su relación de gran respeto con la naturaleza integra lo bueno y lo malo de la misma, pero el crecimiento de la población y sus crecientes necesidades hacen que los vínculos se rompan, siendo la explotación industrial un peligro no sólo para el medio ambiente, sino para el mismo hombre.
El 11 de marzo del 2011 se produjo una gran catástrofe en la región de Tóhoku, un terremoto de nivel 9.0 provocó un gran Tsunami de 30 metros de altura en su zona más alta y 15 metros en la zona más baja. Arrasó 45.700 construcciones y dañó otras 144.300 en las provincias de Miyagi, Iwate y Fukushima. Se estipulan unas 19.225 personas entre fallecidas y desaparecidas, así como 1.567 niños con uno de sus padres, o ambos, fallecidos.
A raíz del tsunami, la central nuclear de Fukushima fue dañada, los reactores 1, 2 y 3 sufrieron explosiones y el 4 se incendió, provocando un gravísimo desastre medioambiental. Se dio comienzo a un trabajo desesperado para que no fuera la mayor catástrofe nuclear de la historia.
Tepco, la empresa dueña de la central nuclear, mostró un comportamiento negligente en sus instalaciones y gestiones tanto antes como después de las explosiones. Hay informes que indican que las construcciones de contención de los reactores estaban agrietadas durante el tsunami. Enfriaban los reactores con agua del mar, altamente corrosiva para las instalaciones y después crearon una conducción de tuberías para expulsar las aguas radiactivas al mar. Dichos conductos se fueron dañando debido al crecimiento de las plantas, filtrando el agua contaminada también a la tierra.
La misma empresa está reconstruyendo la central nuclear con unas condiciones muy básicas, que difícilmente soportarían otras circunstancias parecidas a las acontecidas en marzo del 2011.
Se invita a todo el mundo a copiar el último texto y pegarlo en la parte de solicitud de la página Tepco junto con sus datos y hacer el envío, esta parte interactiva pretende hacer una acción directa hacia la central nuclear.
Web de la artista: www.ruthmontielarias.com
 "MUJERES MALTRATADAS" 
Exposición del Grupo Kronika-16
del 11 de junio al 18 de septiembre de 2016 en el Museo de Arte Contemporáneo Florencio de la Fuente
Integrantes: Coro Eizaguirre, Esty Gómez, Marina Gómez, Mercedes Hurtado de Saracho, Carmen López, Salvi Morales, Paula Moreno, Victoria Rodríguez y Concha Tejeda
 "GROWING PAINS [DOLORES DE CRECIMIENTO]"
Proyecto de Edurne Herrán
del 11 de junio al 18 de septiembre de 2016 en el Museo de Arte Contemporáneo Florencio de la Fuente
"Debido a la crisis económica, muchos jóvenes españoles estamos regresando a comportamientos propios de la infancia, pero en nuestros cuerpos adultos. Crecer duele, aunque ahora este dolor tiene que ver más con lo mental que con lo físico. Growing Pains revisa el concepto de reactivación de la memoria y consigue cierta complicidad con el espectador evocando sus recuerdos. Pero tras esta primera lectura se esconde un concepto mucho más perverso, que reflexiona sobre la infantilización de nuestra sociedad debida al periodo histórico que estamos atravesando (recesión, precariedad y dependencia familiar).
Growing Pains es una reelaboración de micro-ficciones biográficas, todas ellas con un denominador común: jóvenes que viven en el hogar materno, o dependen económicamente de sus padres para poder vivir con la ficticia sensación de estar emancipados. Para realizar este trabajo he reproducido las prendas de la infancia de diez personas, sobredimensionándolos y adaptándolos a su actual escala adulta. Posteriormente, he realizado una toma fotográfica de la persona retratada portando ese traje en un instante de su vida cotidiana actual."
Edurne Herrán, 2016.
El Museo de Arte Contemporáneo Florencio de la Fuente comienza una nueva etapa y uno de sus primeros eventos será el "I HUETE PHOTOWALK", organizado en colaboración con el Museo de Fotografía Fundación Antonio Pérez y la Diputación de Cuenca, además del Ayuntamiento de Huete.
Tendrá lugar el próximo sábado 18 de junio y la participación es abierta, con inscripción el mismo día en el Museo de Fotografía. El jurado fallará un premio de 1.000€ a la mejor fotografía y dos menciones de honor a las 2 siguientes.

https://www.facebook.com/macflorenciodelafuente/?pnref=story

Artim 2016 "Todo lo cría la tierra" en Espinosa de los Monteros, Burgos.



Llega la tercera edición de ARTIM, un encuentro internacional que aboga por el desarrollo rural sostenible. 
Bajo el lema “Todo lo cría la tierra” la Asociación Ábrego celebrará del 8 al 17 de julio en Espinosa de los Monteros (Burgos) la 3ª edición de un encuentro en el que participarán más de 1000 personas de toda Europa y abarca 12 cursos de formación intensiva, más de 40 talleres, ciclos formativos, conciertos, espectáculos y actividades en el entorno rural.




ARTIM se ha convertido, tras dos ediciones a sus espaldas, en un acontecimiento imprescindible para todas aquellas personas que buscan el impulso del medio rural. Más de 100 personas de toda Europa han realizado ya su inscripción para participar en sus más de 70 actividades.
Las 250 plazas en modalidad de inscripción completa que se ofertan brindan la oportunidad de asistir a uno de sus 12 cursos de formación intensiva, así como de participar además en más de 10 ciclos temáticos formativos, talleres prácticos, seminarios y mesas redondas. El encuentro intenta fomentar una visión holística del desarrollo rural sostenible instruyendo en diversos temas como bioconstrucción, agricultura ecológica, producción artesanal de alimentos y cosméticos, tratamientos de salud alternativos, cooperativismo, música tradicional, o gestión de los recursos naturales y energías renovables.


Espinosa de los Monteros (Burgos)

El ARTIM es un espacio de formación, creatividad y reflexión para crear estructuras, exponer ideas, generar conexiones que establezcan redes conectando personas, proyectos y universidades de toda Europa; poniéndose de manifiesto la variedad y riqueza cultural de los pueblos. Una oportunidad para fomentar multitud de iniciativas que busquen beneficios para el mundo rural y la naturaleza.
La calidad de los contenidos impartidos en ARTIM están avalados por varias universidades españolas que han querido apoyar el proyecto convalidando créditos a sus alumnos por su asistencia al encuentro, como es el caso de la Universidad Complutense y la Universidad Politécnica de Madrid, La Universidad Autónoma, la Universidad de Alcalá de Henares, y la Universidad de Burgos.
Es de destacar el nivel de los profesores que se darán cita en esta edición, como es el caso de Ana María González-Garzo y Augusto Krause, con más de 35 añosy varios libros publicados dedicados al estudio de las plantas silvestres y sus aplicaciones; Mª Paz Arraiza,Bióloga y Subdirectora Universitaria ETSI Montes, Froilán Sevilla, Ingeniero de Montes y Jefe de Sección Territorial de las Merindades de la Junta de Castilla y León; Bárbara de Aymerich, docente e investigadora en Universidad de Burgos, Doctora en Ciencias en la especialidad de Edafología y Química Agrícola, o Investigació Canyera, grupo de arquitectos especialistas en la caña como material de construcción.

ARTIM 2016 aboga por una conexión directa con la población local y su conocimiento. Además la conservación de las tradiciones de los pueblos es uno de sus pilares, y por tanto la música, el teatro, el folklore y la sabiduría popular tendrán una presencia notable durante el mismo. Así, durante estos diez días de julio, todas aquellas personas que se acerquen a Espinosa de los Monteros podrán disfrutar de conferencias, pasacalles, conciertos, obras de teatro, cuentacuentos, exposiciones, excursiones, DJ ́s, y actividades educativas y de ocio para niños todos los días.

Una de las principales novedades de esta edición es su especial atención a los más pequeños. Se ha diseñado una Zona infantil para que los padres puedan conciliar su asistencia a las actividades formativas mientras sus hijos aprenden y se divierten.

Durante los dos fines de semana que engloba el encuentro tiene lugar ARTIMUSIC 2016, un festival de música que contará con la presencia de artistas consagrados en el panorama del folklore y la música tradicional, como son Kepa Junquera, el Colectivo YESCA canción tradicional, el componente de El Naán, Carlos Herrero, el cantautor Pedro Pastor, el percusionista gallego Xose Luis Romero y dos grupos burgaleses revelación: Ska as One y Cowabunga.



Evento sostenible:

ARTIM cuenta con el sello de evento sostenible que concede la Fundación Oxígeno a aquellos que se realizan en respeto con el entorno, y llevan a cabo estrategias y técnicas responsables.

Otra acción para fomentar el consumo consciente y las técnicas de producción responsables, es la feria de pequeños productores del sábado día 18, en la que se contará con artesanos y productores locales que podrán exponer y vender sus productos.

En palabras de la organización “la iniciativa parte de una preocupación sobre el actual abandono de los pueblos, el deterioro del medio ambiente y el alto índice de desempleo que azota a nuestro país.

En este panorama, ARTIM 2016 propone el desarrollo local sostenible como dinámica de creación de empleo, proporcionando las estrategias para fomentarlo”.

Otros apoyos:

Para llevar a cabo esta importante labor, los organizadores cuentan con el apoyo de colaboradores dentro del territorio. Entre ellos están el CEDER Merindades, La Diputación Provincial de Burgos, el Ayuntamiento de Espinosa de los Monteros, la Fundación Caja de Burgos y la Universidad de Burgos, que aportan financiación, infraestructura y medios técnicos y materiales. Así mismo, también cuentan con el respaldo de colectivos que llevan a cabo ejemplos de acciones sostenibles en el medio rural, como es el Demandafolk.

Quedan todos invitados a informarse en inscribirse en la web: todolocrialatierra.com

Más información en las redes sociales:
Facebookhttps://www.facebook.com/Artim-Cria-Tierra-654918231210357/
Twitterhttps://twitter.com/artim2016

Fotos de Artim 2015 en: https://www.flickr.com/photos/132628485@N07/



Exposición de Javier Ayarza "Et in Arcadia ego" en Casa Junco, Palencia.


Con el título de “Et in Arcadia ego” se presentan juntos, por primera vez, una selección de dos trabajos de Javier Ayarza (TERRA,2004-2009 y Extras, 2009-2011) que toman como referente el territorio rural castellano; más concretamente, las comarcas de Tierra de Campos y Cerrato de la provincia de Palencia. La muestra podrá visitarse hasta el 30 de junio en la Casa Junco de Palencia dentro del Festival de Fotografía Pallantia Photo.



S/T (detalles), 2009-2011 
24 x 36 cm. c/u

La serie “Extras” (2009-11) se desarrolla en torno al aspecto humano de un acontecimiento fuertemente ideologizado en origen como es el día de la fiesta del patrón o patrona del pueblo. El trabajo se centra en los momentos anteriores a la procesión: llegada de los dulzaineros/pasacalles, políticos, el movimiento de la gente … , y el inicio, desarrollo y final de la misma.
Como método se ha optado por disolver el orden de las cosas y recomponerlas a través del montaje en forma de cuadrícula. Con esta operación de reconstrucción se precede a re-exponer lo visible poniendo en primer plano la existencia de una mirada y una postura (la del artista) que une y relaciona los elementos que configuran la realidad.
Así, de cada diégesis se han aislado los diferentes scripts para reagruparlos en marcos homogéneos a modo de un gran travelling.)
Las fotografías se han realizado en más de 60 pueblos de las comarcas de Tierra de Campos y Cerrato de la provincia de Palencia).

Enlace con imágenes de la exposición en la Galería Fúcares de Madrid en 2011: 

La investigación llevada a cabo por Javier Ayarza en los últimos años ha tenido a la fotografía como esencial herramienta para la construcción (fijación) de un muy concreto territorio afectivo, sentimental y cultural, donde el paisaje era el catalizador que reunía en una sola gavilla los tres elementos que configuraban el discurso moral de su propia mirada con respecto a ese territorio, y donde realidad y ficción intercambian su verdad y su mentira sin por ello perder sus propias cualidades. Esos tres elementos, queremos decir, serían la geografía, la historia y la memoria. Paisaje y naturaleza estos, insistimos, tan reales como inventados. Una especie del condado de Yoknapatawpha de Faulkner pero situado en las llanuras altas de la Tierra de Campos, si bien, puestos a referenciar, no deberíamos alejarnos tanto. El paisaje, tal como hasta ahora ha sido visto por Javier Ayarza, bien podemos definirlo con el mismo título que un gran poeta nacido muy cerca de la Palencia de Javier Ayarza, el zamorano Claudio Rodríguez, dio a su primer libro de poemas, Don de la ebriedad, sin discusión una de las cimas de la poesía española del siglo veinte.

         La introducción de la figura humana en la última serie de fotografías presentada por Ayarza, Extras, en absoluto debería llevarnos a considerarla como una rareza dentro de su obra, ni siquiera como una alteración formal dentro de la propia “tradición paisajística” frecuentada por el autor, pues en definitiva la novedad en sí misma radicaría únicamente en la contemplación de un “paisaje de fondo con figura” pero manteniendo unas constantes formales muy fieles al ideario estético (y moral) practicado por Javier Ayarza durante las dos últimas décadas. Ahora bien, es precisamente la inclusión de esa figura(s) en el paisaje lo que garantiza su continuidad estilística (paisanaje), pero a su vez el elemento distorsionador – L`agent Provocateur- que altera el orden y la consideración visual de la fotografía, hasta el punto de que la diferencia de esta serie con respecto a otras anteriores no sería otra, y eso es mucho, que la posición con que el autor obliga al espectador en su contemplación. Digámoslo ya: Javier Ayarza con Extras nos emplaza a ver una película. Con esto queremos decir que esa contemplación de un film estático solo sería posible si con ello pensamos a su vez, importantísimo, en la cualidad moral del travelling o en la alteración espacio temporal provocada por la elipsis en toda narración cinematográfica, pero también en el “fuera de campo” o en aquello que debe ser visto, o intuido, o escondido, o manipulado, o real o ficticio. No son pocas, en efecto, las novedades que con esta magnífica serie nos ofrece Ayarza sin pensamos que el autor, muy fiel a sí mismo, sigue investigando en la tradición paisajística.

         Un pueblo castellano sin determinar cegado por el sol y el don de la ebriedad ejerciendo la noble y sencilla holganza durante las fiestas patronales. En ese entorno de humilde urbanismo los habitantes del pueblo van y vienen en grupos de dos, tres, cinco o el pueblo entero; se saludan, se encuentran, se festejan, se paran o siguen andando. Se muestran a la cámara de frente y también de espaldas. Nada más. Este es el sencillo storyboard que Javier Ayarza ha creado para poder “filmar” Extras. Que la propia ordenación de la serie se haya llevado a cabo por medio de la utilización de la cuadrícula vendría confirmar la eficacia del storyboard como elemento constituyente de una serie que aspira a una consideración visual otra de la imagen fotográfica, donde a excepción quizá de la imagen documental rara vez la fotografía nos invita, o nos provoca, a prolongar el tiempo de su propia narratividad, como sí ocurre, por supuesto, en el tiempo narrativo utilizado en el cine. En Extras se secuencia el tiempo a través de una cuadrícula que provoca la gesticulación fija (que no inamovible, valga la paradoja) de esos falsos actores que o bien nos miran (pero no a cámara), o bien rechazan la dialéctica que se establece con la mirada del espectador. Extras es un largo travelling, pero si bien, técnicamente, se sabe muy bien lo que es un travelling, el tema se complica mucho desde que Godard lo definió como una “cuestión moral”, sin dar mayores explicaciones, en su momento, sobre lo que en realidad quería decir al respecto. Probablemente el mejor desarrollo de esa enigmática afirmación corresponde al más inteligente crítico de cine que ha habido desde finales de los sesenta hasta su muerte, de sida, en 1994. Me estoy refiriendo, por supuesto, a Serge Daney. Al respecto, Daney, menos críptico que Godard, nos dice interrogando: “¿Qué otro sentido podría tener la frase de Godard sino es el de que no hay que ponerse nunca donde no se está, ni hablar en el lugar de los demás?”. El largo travelling llevado a cabo por Javier Ayarza en Extras invita a una consideración moral de la imagen en tanto que estructura que soporta el peso ideológico de lo Real. De ahí la cámara invisible (tan respetuosa con el paisaje humano, con el paisaje, tout court) que ha fijado (filmándolo) este generoso travelling dotado de una decencia estética admirable. En un momento como el actual donde los artistas, se podría decir,  únicamente quieren filmar y rodar hay algo en Extras de sofisticada y perversa lección (que no venganza) con respecto a tan obsesiva fijación. Javier Ayarza nos demuestra que hay otras formas de filmar, otras maneras de hacer una “película de artista”. Basta el talento y poseer el don de la ebriedad, de la inteligencia, de la moral en la práctica artística. No es poco, lo reconocemos.

Luis Francisco Pérez 
Javier Ayarza "Extras" en Galería Fúcares de Madrid.

16 may. 2016

Andy Goldsworthy "New Work" en Slowtrack, Madrid.

Limestone dust. By product of ‘Sleeping stones’
Cuenca, Spain
7 October 2014

Caminar sobre nieve y barro, andar como un equilibrista más de cien metros sobre una cerca de alambre de púas, resistir colgado e inmóvil sobre un árbol media hora, tumbarse inmutable en el lecho de un torrente de barro rojo mientras cae la lluvia, o escupir amapolas como si fueran sangre, son acciones que forman parte del proceso creativo del artista Andy Goldsworthy (Inglaterra, 1956).
Bajo el nombre New Work se presenta en esta exposición una muestra de fotografías y vídeos de su obra efímera reciente. En estas obras Goldsworthy extrema el trabajo físico afrontando con brío la madurez de su carrera. Las inclemencias del tiempo, la soledad, la espera, la resistencia personal, los infinitos caminos de la belleza, son conceptos elementales que comparten protagonismo con la omnipresente naturaleza en sus trabajos performativos más recientes. El resultado de estas obras queda plasmado en New Work, abierta al público desde el 2 de Abril hasta el 21 de Mayo en Slowtrack.
Fotografía y vídeo de Andy Goldsworthy
La fotografía es parte imprescindible de la obra de Andy Goldsworthy, vinculada especialmente a su obra efímera en la naturaleza. Se trata de un trabajo documental, sistemático y exigente de ejecución, selección, montaje, cadencia, visionado y conciencia por parte del artista. La obra hecha siempre sin público dura apenas un instante y de ese instante solo permanece una fotografía única, no seriada, nunca manipulada, que se convierte en un proceso performativo más, nueva obra en sí misma. Cada trabajo efímero de Goldsworthy contiene vida y como tal crece, permanece y muere siendo la fotografía la parte integral de ese ciclo que capta el momento álgido y secreto de su plenitud.
El trabajo de Goldsworthy es un compromiso cotidiano consigo mismo y con el mundo en el que habita. Su obra puede ser efímera o permanente, pero siempre parte de una necesidad y un compromiso visceral y privado. La obra de Andy Goldsworthy no busca la belleza sino la inmanencia de lo trascendente que reside en la naturaleza y solo se desvela si sabemos introducirnos en ella sin establecer jerarquías. La honestidad, pureza y osadía de sus obras desemboca en lo esencial y en lo sublime.
Goldsworthy presenta cuatro nuevos vídeos; un nuevo soporte en su cuerpo de trabajo, que en estos momentos de su carrera va tomando especial relevancia. A través de ellos vemos la intensidad de sus procesos, percibiendo el resultado visual y acercándonos al concepto de tiempo en sus acciones. 
 http://www.slowtracksociety.com/es/2016/andy-goldsworthy-new-work


Rushes. Sharp, pointed end of one pushed into the wider end of another to make lines attached to an overhanging ash branch. Reached with a ladder. Calm and overcast. Finished ahead of a strengthening wind and a clearing sky.
Dumfriesshire, Scotland
11 September 2011
 Poppies held with water. Shook off
Digne-les-bains, France
11 June 2010



Ice frozen to wall. Falling off. Piece by piece
The following day
Dumfriesshire, Scotland
29 December 2014


 Andy Goldsworthy crea obras de arte casi a diario, usando los materiales y las condiciones que encuentra allá donde esté, ya sea en la tierra que rodea su hogar de Escocia, las montañas de Francia o las de España, o los alrededores de Nueva York, Glasgow o Rio de Janeiro. Utiliza tierra, rocas, hojas, hielo, nieve, lluvia o la luz del sol para producir obras de arte que existen brevemente antes de ser alteradas y erosionadas por los procesos habituales de la naturaleza. Goldsworthy también se sirve de su propio cuerpo como medio para llevar más allá sus investigaciones, ya con sus Sombras de lluvia o a través de acciones como escupir, arrojar, trepar y andar.


 Rain shadow
Cuenca, Spain
6 October 2014



 Mud
Dumfriesshire, Scotland
13 February 2014

 My arm. Black mud
Dumfriesshire, Scotland
April, 2012

Calle Cañizares 12
Madrid 
de martes a viernes de 10.30 a 19.30 y sábados de 11 a 14.30

15 may. 2016

AP Arte & Paisaje Gallery en Martín Muñoz de Ayllón, Riaza, Segovia.



El arte al encuentro del paisaje.

La propuesta de aPGALLERY es aprender a mirar.

APGALLERY ha creado un espacio único en España que toma como punto de partida esencial profundizar en la relación que existe entre arte y paisaje. Ubicada a pocos kilómetros de Riaza, la galería ofrece una experiencia nueva para el espectador en el que las piezas se integran en el espacio en el que se muestran. Con la primera exposición presentando las obras de Amadeo Gabino, APGALLERY inicia en noviembre de 2014 lo que será una de sus líneas de trabajo: revelar la vinculación entre arte, paisaje y abstracción, entendiendo que esta voluntad artística no figurativa, encuentra para sus obras, configuraciones que invariablemente acaban por asociarse al paisaje. El punto de partida esencial es profundizar en la relación que existe entre arte y paisaje. 

APGALLERY se diferencia de cualquier otra galería por ofrecer el arte asociado a un espacio natural, momento en el cual la receptividad del espectador para la belleza es mayor. Además, proporciona al arte contemporáneo un contexto único en el que exponerse, en diálogo permanente con el paisaje. APGALLERY entiende la experiencia de la contemplación de la obra de arte contemporánea como una vivencia integral, intelectual y sensorial, asociada al paisaje, e incorporar “el viaje”, entendido como observación de la transformación paulatina de la escena y los ritmos cotidianos, como una variable a añadir en la percepción y sensibilidad del espectador.



Observar e interpretar lo que descubrimos debe ser la primera tarea dirigida a establecer una relación con nuestro entorno.

Encontramos que en esta tarea, la recurrencia al mundo del arte es obligada, entendiendo éste en la acepción expresada por Paul Klee: "el valor del arte no radica en su posibilidad de representar lo visible, sino en su capacidad de hacer visible lo invisible".

De esta forma, el arte opera como buscador en el paisaje, como buscador de lo que está presente y aún no hemos descubierto.

AP Gallery
calle de la Fuente, 5. Martín Muñoz de Ayllón, Riaza. Segovia.
Horario: Sábados y domingos de 11.00h a 19h.
e-mail: apgallery.info@gmail.com
Teléfono contacto: + 34 615 221 476 | +34 911723071
Web: www.ap-gallery.com
Facebook: APgallery galería de arte
Twitter: @_APgallery

https://www.youtube.com/watch?v=ckr0a3eUxtg  

http://www.metropoli.com/blogs/miradas-al-fresco/2014/11/27/una-invitacion-a-la-felicidad.html

http://www.tugranviaje.com/agenda-viajera/se-inaugura-apgallery-sierra-ayllon-riaza/ 

http://www.renzomadrid.com/artes/-nace-apgallery-la-galeria-en-la-que-el-arte-dialoga-con-el-paisaje

8 may. 2016

"El olivo" de Iciar Bollain, 2016.

Sinopsis: 
Alma tiene 20 años y adora a su abuelo, un hombre que lleva años sin hablar. Cuando el anciano se niega también a comer, la chica decide recuperar el árbol milenario que la familia vendió contra su voluntad. Pero para ello, necesita contar con la ayuda de su tío, una víctima de la crisis, de su amigo Rafa y de todo el pueblo. El problema es saber en qué lugar de Europa está el olivo. 
"Con El olivo han creado un cuento actual y emotivo que usa su trama familiar central para ofrecer un contexto en el que todos se sentirán identificados. Alma, la joven protagonista, vive en su pueblo trabajando en un criadero de pollos mientras ve cómo su abuelo se apaga. Lo único que le mantenía con vida era el olivo donde ambos pasaron sus mejores momentos. Un árbol que en pleno boom de la economía fue vendido al mejor postor para poner un chiringuito a pie de playa. Alma intentará por todos los medios recuperar el árbol que es algo más que un vínculo de unión con su familia, es el símbolo de una época anterior a que todo se fuera al garete.
Es, curiosamente, una joven la que decide traerlo de vuelta. Un ejemplo de una generación que ha vuelto a las calles, a protestar, al activismo, para arreglar lo que sus padres habían estropeados. Lo que su abuelo cuidó con sus manos y sudó por defender se esfumó por un dinero que ya ha desaparecido. Este es sólo uno de los guiños que el guion de Laverty incluye en su historia."
"Olivos de imponente belleza que han dado aceite durante milenios se arrancaron y se vendieron, en medio del ‘boom’, para decorar bancos, multinacionales, restaurantes carísimos, edificios de millonarios chinos y de Oriente Medio… “Era algo que sabía que estaba mal”, dice el guionista Paul Laverty, al que de aquella sensación, de su honda humanidad y de su compromiso y conciencia solidaria le surgió la historia de esta película, un relato que Icíar Bollaín hizo suyo y embelleció con una sensibilidad extraordinaria. El resultado, El olivo, una hermosa película, emocionante, cargada de verdad, de cabreo, de indignación y de esperanza, una llamada a la acción, “una celebración del inconformismo”.
Con un alto contenido alegórico, la película es una herramienta creativa contra la codicia, contra la voracidad de la globalización, con un reparto sobresaliente en el que se reúnen tres generaciones, las tres que la cineasta ha querido retratar en el filme. Anna Castillo es Alma, una joven de veinte años que trabaja en una granja de pollos de Castellón y que está enfadadísima con la herencia que le ha dejado esta crisis. Su padre y su tío, el ‘Alcachofa’ (Javier Gutiérrez), en los años de las vacas gordas, vendieron el olivo milenario que su padre había cuidado desde pequeño para abrir un restaurante. Con las estafas y los abusos, lo perdieron todo. El abuelo dejó de hablar cuando perdió su árbol y ahora solo quiere morir, así que Alma decide irse a Alemania a recuperar el olivo. Su tío y un compañero, interpretado por Pep Ambrós (otro descubrimiento para el cine), se unen a la aventura."

11 abr. 2016

"RCR Arquitectes. Creatividad Compartida" en Museo Ico, Madrid.

RCR Arquitectes . Alberca en 'La Vila' de Trincheria . Vall de Bianya 







El Museo ICO de Madrid inaugura su temporada 2016 con la exposición“RCR Arquitectes. Creatividad Compartida”. 
Una muestra que reúne por primera vez en Madrid más de 25 años de trayectoria profesional de Rafael Aranda, Carme Pigem y Ramón Vilalta, al frente del estudio de arquitectura catalán RCR Arquitectes.

“RCR Arquitectes. Creatividad Compartida” podrá visitarse en el Museo ICO hasta el 8 de mayo de 2016. Entre las obras que estarán expuestas se encuentran el Estadio de Atletismo de Olot, las Bodegas Bell-lloc en Palamós, los Pabellones para el Restaurante Les Cols, en Olot, o la mediateca Waalsekrook, en Gante (Bélgica).

Además, también estarán expuestas proyectos recientes como Le Jardin Suspendu (Bruselas) y L’Estuaire en Burdeos (Francia) o las Casas Hashim e Ibrahim en Dubái (Emiratos Árabes), así como elMusée Soulages en Rodez (Francia); esta última recibió el pasado 28 de octubre el Premio de Arquitectura Española Internacional 2015 que concede el Consejo Superior de Colegios de Arquitectos de España.   

La arquitectura de RCR, de gran expresividad, está realizada con materiales como el acero cortén, la piedra natural sin desbastar, el hormigón visto y las grandes superficies de vidrio, entre otros. 

Sus edificios se funden con el paisaje en el que se asientan, desmaterializando los límites entre interior y exterior para conseguir una mayor comunión con la naturaleza. Maquetas, croquis, diversos elementos de construcción utilizados en sus edificios y audiovisuales constituyen parte de los materiales que conforman esta muestra. Entre ellos, los dibujos, esbozos y acuarelas juegan un papel primordial en las fases de proyecto y materialización de sus edificios.

“RCR Arquitectes es uno de los estudios de arquitectura españoles con mayor proyección internacional”,comenta Mónica de Linos, Directora de la Fundación ICO. “Con la exposición “RCR Arquitectes. Creatividad compartida”, añade de Linos, hemos

profundizando en una de las líneas que guía gran parte de nuestras actuaciones: la colaboración con instituciones públicas, en esta ocasión con la Generalitat de Catalunya. Y, por añadidura, continuamos acercando la arquitectura española a los visitantes del Museo ICO, que a finales de 2016 podrán disfrutar de la de los sevillanos Cruz y Ortiz.

La exposición del Museo ICO “RCR Arquitectes. Creatividad Compartida es la fusión de las muestras “RCR Arquitectes. Creatividad compartida” (Palau Robert, del 26 de marzo al 13 de septiembre de 2015) y “RCR Arquitectes. Papeles” (Arts Santa Mónica, del 19 de mayo al 13 de septiembre de 2015), organizadas, respectivamente, por el Departamento de la Presidencia y el Departamento de Cultura de la Generalitat de Catalunya, en colaboración con RCR BUNKA Fundación privada.
         
Trayectoria profesional de RCR Arquitectes

En Olot, en el Espai Barberí, las raíces de RCR continúan nutriéndose de vida para afrontar los nuevos proyectos, la necesidad de reinventar cada día su arquitectura y su manera de abordarla. Hay retos, sin embargo, que se mantienen: la búsqueda de una arquitectura desmaterializada, transparente, sin límites, puro espacio en simbiosis con la naturaleza. Unos retos y una evolución de la que podemos ser testigos privilegiados.

Con sede en Olot, Gerona, RCR Arquitectes fue creado en 1987 por Rafael Aranda, Carme Pigem y Ramón Vilalta. Sus proyectos arquitectónicos destacan por la comprensión especial del encaje de las obras en su entorno y en el paisaje.