19/9/2014

5ª temporada del Centro de Arte y Naturaleza Cerro Gallinero en Hoyocasero, Ávila.

Cerro Gallinero en Hoyocasero, Ávila.

“MEMORIA”. 2001-2014 de Carlos Cuenllas (León, 1969)
Esta obra es doble, pensada para ser enterrada en dos lugares distintos. El azar ha querido que una repose debajo de tierra en la cima del Cerro, la otra, gemela está enterrada en el monasterio de La Peregrina, en Sahagún (León)
La escultura es de pvc (20x48x48 cm), con una forma intermedia entre el círculo y el cuadrado, herméticamente cerrada. Exteriormente está forrada de papel pintado de amarillo que forma una especie de piel efímera. Contiene “reliquias” que se refieren a la memoria personal de Cuenllas desde la infancia hasta el año 2001, en el que nace su primer hijo. Hay desde las raquetas de nieve de su geyperman, a trozos de látex naranja de su obra “Bosque artificial”, llaveros de su colección, piezas del entarimado original de la casa de sus padres, juguetes, llaveros, adornos de Navidad, cinturones de tae kwon do, partes de otras esculturas, galletas, chupetes de su hijo, etc.
En Sahagún, la pieza, tiene una leyenda en la que hace mención a la de Hoyocasero, con sus coordenadas, pero en el Cerro, salvo en la memoria de los asistentes al acto inaugural, no quedará ninguna indicación de su localización. Será una obra que pensada por un artista, podría ser una cápsula del tiempo de cualquiera de nosotros. 

 
“MADRE GREDIOS,  sacrograma del poeta Eduardo Scala (Madrid, 1945), está tallado en una roca de 300 millones de años

Afincado en Ávila, siguiendo su místico Cántico de la Unidad, ha creado LITOFANÍA,  obra desarrollada entre 2012-2014. Es un proyecto  específico para el Centro, en el que Scala designa la Sierra de Gredos como “Sierra de GREDIOS”, dado el simbolismo sagrado del centro y la montaña: «Santa montaña, roca desnuda, corazón de España», así la nombró Miguel de Unamuno.

Dice Scala, “Unas piedras que no son nombradas –numeradas- no existen. Saber que pisamos trescientos millones de años, que caminamos por el tiempo sin tiempo,  que estamos tocando el origen-gen, es la trascendente-ascendente experiencia”.

El poema ha sido grabado en el granito por un maestro cantero con la  tipografía  Futura, de “paloseco” o lineal  (basada en el círculo, el cuadrado y el triángulo, siguiendo las tendencias  De Stijl y de la  Bauhaus) de Paul Renner, tipógrafo alemán, perseguido por los nazis,  creador de esta fuente, ya clásica,  entre 1924 y 1927.  Scala continúa el culto por este artista, ya que ha impreso y estampado más de diez libros de poesía y ediciones de arte con esta fuente.   

El poema de Eduardo Scala, “MADRE  GREDIOS”  -inscrito en una piedra de la Era Primaria con la fuente Futura-, tiene la sagrada forma de una vulva y lanza la idea de Dios-Madre, pues  según el Génesis (1.27), la mujer, también, es semejante a Dios.


“UN ANAGRAMA CON SOL”, es el poema pétreo que presenta Carlos de Gredos (Hoyocasero, 1958)
Por la experiencia que tenemos con las palabras, podríamos decir que una palabra y su anagrama, de alguna manera, son sinónimos.
La obra que comenzó su andadura en el año 2013 con el título inicial de “Encima de mi cabeza, en la cima de mi cabeza”, consta de una palabra, SILENCIO, tallada en el suelo y de uno de sus anagramas, SIN CIELO, justamente en su eje vertical, pues su desarrollo es circular, en la cornisa de una de las grandes rocas de la cima oeste del Cerro.
Para poder realizar esta obra se ha tenido que subir a mano todo un equipo, incluido un cuerpo de andamio.
Desde que la idea inicial surge hasta que se materializa, la obra ha ido transformándose hasta cambiar de disposición y su título.
El propio autor también tiene que comprender su obra, pues normalmente se siente superado por ella.  En este caso parece que en su interior se vislumbra un tono profético...en la cima, donde el silencio, la soledad, la inspiración y la intuición llegan con más claridad. También se puede apreciar cómo en el norte figura, casualmente, la S y en el sur, causalmente la N.
Si María Antonia Ortega ha escrito: “La poesía es la palabra llena de silencio”, acaso no nos estará esperando el Silencio transformado en Poesía. En esta ocasión se llega al silencio mediante la propia palabra, pues para que el espectador termine la obra y tenga verdadero sentido, se ha de colocar en el centro de la corona de palabras y así tendrá encima de su cabeza, la “ausencia de cielo”, o todo el cielo del mundo. 

5ª temporada  
Hoyocasero, Ávila.

El Cerro Gallinero es paisaje, es territorio, es herencia, pero sobre todo es naturaleza. Aquí nos vemos dentro del paisaje y al contemplar una obra dentro de él no nos queda más remedio, para nuestro bien, que identificarnos, que mimetizarnos con lo que vemos. Sentimos que nosotros, los observadores y el paisaje, la obra, lo observado, constituimos una misma realidad, y es más, nos atreveríamos a decir que el paisaje también nos contempla.
Las obras del Cerro son con la naturaleza y también van dirigidas hacia la naturaleza, pues ella, con el tiempo las modificará y a la postre las terminará por modelar, y en algún caso, las hará desaparecer, porqué no, como a un ser vivo más. Y como ser vivo, su memoria perdurará más allá de los pixeles.
El que se acostumbra a pasear, a andar, como podemos extraer del término anglosajón 
LAND ART 
ANDAR 
que al fin y al cabo es a lo que estamos invitados, goza con la lentitud del que aprehende lo que ve. De esta manera lo valoramos, despertamos el respeto por aquello que contemplamos, nos identificamos y sentimos el placer de pertenecer a la Totalidad. Somos parte y Somos Todo.
Los ejes fundamentales del Centro son las intervenciones pensadas específicamente para el Cerro, tanto permanentes como efímeras, el desarrollo con el tiempo de becas de residencia de poesía, música y danza con el propósito de que la experiencia tenga un camino de retorno y al año siguiente sean presentadas en el lugar del que partieron, tanto terminadas como en forma de embrión. Todo esto que ahora empieza irá creciendo con la ayuda de los Amigos del Cerro.

Hoyocasero, a 19 de enero de 2012.
Crónica en Avilared.com sobre el día de la presentación de las nuevas piezas:
 Carlos de Gredos mostrando algunas de las piezas el día de la presentación.

Eduardo Valderrey "DISurbia" en Galería Rafael Pérez Hernando (Madrid)





 http://www.plataformadeartecontemporaneo.com/pac/disurbia-la-piel-olvidada-de-eduardo-valderrey-en-rafael-perez-hernando/





"DISurbia, La piel olvidada"

Este proyecto de Eduardo Valderrey (Barcelona, 1963) se compone de varias foto-esculturas y de una video-instalación. Estas obras hacen referencia a arquitecturas de ocupación basadas en la relación entre la identidad, los entornos de la memoria y los procesos de desindustrialización de las antiguas instalaciones mineras situadas en la montaña oriental de la provincia de León.
Allí, el valle de Sabero, Sahelices, Olleros, Sotillos y Vegamediana forman la gran columna vertebral de un desordenado grupo de instalaciones industriales abandonadas, que dan testimonio de un proceso irrevocable de abandono de las cuencas mineras del norte de la península, debido a la progresiva reestructuración del sector.

Eduardo Valderrey realiza un recorrido por diferentes espacios abandonados, degradados por el tiempo y la desidida donde se pone de manifiesto la falta de oportunidades económicas que provoca la despoblación de las zonas rurales con muy escasas posibilidades de desarrollo.

El escenario de este proyecto es Vegamediana: una antigua construcción minera, hoy ya en desuso, que formaba parte de un gran entramado siderúrgico que ocupa la totalidad del Valle de Sabero. La cuenca minera de hulla fue la primera en ser explotada en la provincia de León.

Hoy en día, el plan del carbón prevé el cierre de las minas y de toda la industria anexa, dejando sin trabajo y sin esperanza a un gran número de mineros y a sus familias, lo que ha originado un gran conflicto social y movilizaciones por todas las cuencas mineras. 

*DISurbia: Término acuñado por Mark Baldassare y que deriva de la aplicación a una región suburbana de los conceptos “Dense”, “Industrial” y “Self-contained”. Disurbia, es un nuevo tipo de suburbio donde predominan las funciones industriales sobre las residenciales. Es un fenómeno característico del sistema productivo postcapitalista: por un lado, la persistencia del sector industrial como uno de los más importantes de la economía contemporánea, y por otro, el creciente proceso de descentralización urbana de las actividades económicas.

Nota de prensa: http://www.rphart.net/sites/default/files/Nota%20de%20prensa.%20DISurbia_Eduardo%20Valderrey_1.pdf

Galería de imágenes e información sobre la exposición: http://www.rphart.net/exposicion/disurbia-la-piel-olvidada-eduardo-valderrey-2014#2035

Visitable hasta el viernes, 31 Octubre, 2014 en Galería Rafael Pérez Hernando c/ Orellana, 18, Madrid. 
http://www.rphart.net/

17/9/2014

I have a dream / Tengo un sueño. Día de siembra colectiva en PACA


TENGO UN SUEÑO proyecto de colaboraciòn internacional para la Bienal de Vancouver (I have a dream project de Shweta Bhattad) en colaboración con la plataforma ecoNodos, vecinos de Trubia (Cenero) y con el apoyo de la Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Gijón (Asturias).
DIA DE SIEMBRA COLECTIVA/ Proyecto TENGO UN SUEÑO
domingo 21 septiembre 2013

h.11.00 am 
en la Pumar de PACA_Proyectos Artisticos Casa Antonino

Camin de Fonfria 85. Trubia. Cenero. 33393 Gijon. Asturias/Spain


El proyecto TENGO UN SUEÑO inicia con un día de siembra colectiva en la pumarada de PACA: domingo 21 de septiembre 2014, h.11:00 am, será un día de encuentro donde poder degustar algunos productos de la huerta y conocer agricultores y productores locales.

h.11.00_ llegada y presentaciòn informal del proyecto
h.11.30_inicio de la siembra*
h.13.00_degustaciòn de productos de la huerta (tortillas de calabacines, porrusalda, ensalada) y sidra casera.

*las semillas estàn ya en PACA, pero quien lo desee puede traer sus propias semillas o hacer intercambio, (para la ocasiòn dispondremos un pequeño banco de semillas)
En la pumar se montarà un pequeño mercadillo de productores locales, entre ellos Nel Cañedo Saavedra, pastor y ayudante quesero (en la queseria Aspron) que nos trae el quesu de Gamonéu recién hecho en los Picos de Europa.
Desde aqui, agradecemos infinitamente a todos los vecinos de Trubia, parroquia de Cenero, por su acogida, disponiblidad y generosidad: Tino el Turrexòn nos ha dado semillas de berza, repollo picudo, perejil y nabos, ademàs de consejos infinitos; Jose Manuel nos ha invitado a su llagar el año pasado, recién llegados, explicado con pasiòn todo el proceso y de ahi salen las sidras que ofreceremos el dia de la siembra; y todos nos hacen sentir parte de una comunidad (Mario, Paulino, Casa Naviella, Irundina y familia, Maribel, Consuelo….).
COLABORAN:
Hasta el momento colaboran en el proyecto: la plataforma ecoNodos, asesorando con los tipos de cultivos, épocas de siembra y en la organización del evento. Vecinos de Trubia y parroquia de Cenero (compartiendo semillas, productos, experiencias y saberes); El Tenderete de Cabranes (cediendo espacio en el mercado mensual de Santa Eulalia de Cabranes para la difusión del proyecto).
PARTICIPA!:
El proyecto esta abierto a todo aquel que quiera participar y aportar algo: semillas, participación en el momento de la siembra, documentación digital, textos, realización del proyecto en otro lugar de España o en otra localidad de Asturias. Los nombres de todos los participantes aparaceràn en los titulos de crédito del montaje video final durante la Vancouver Biennale 2014-2016 y en todo el material digital relacionado con el proyecto.
Trubia, 18/08/2014
Virginia Lopez
colaboran:
Tino el Turrexòn (agricultor) y vecinos de Trubia.
> Nel Cañedo Saavedra (pastor y ayudante quesero en la queseria Aspron), elaboraciòn artesana de queso de Gamonéu.
 
 DIA DE SEMILLEROS/ Javi y Giovanni preparando la tierra de los semilleros.

 arando la tierra / proyecto TENGO UN SUEÑO. la zona de siembra ya esta lista! sólo nos falta escribir la tierra, sembrar utopias... el DOMINGO 21 de septiembre Día de Siembra Colectiva en PACA.
 #recoleccion #ihaveadreamproject @Ihaveadreamvan @Van_Biennale 
semillas de malva sylvestris #seeds
intercambio de semillas el día de la siembra 
 primeras pruebas del texto I have a dream en la pomar de La Llosa en PACA_Proyectos Artisticos Casa Antonino. Gijón, Asturias, Spain.

Contact info: 
Virginia Lopez
artist run space
PACA_Proyectos Artisticos Casa Antonino 
Camin de Fonfria 85. Trubia_Cenero  33393 GIJON  Asturias / Spain

"Stephen Shore" en Fundación Mapfre, Madrid.

 La Fundación Mapfre nos presenta este otoño en Madrid la primera exposición retrospectiva del fotógrafo estadounidense Stephen Shore que será visitable y gratuita en su nueva Sala de Bárbara de Braganza hasta el 23 de noviembre. Más información sobre como llegar, horarios o visita virtual para los que no puedan verla en su página web:
http://www.exposicionesmapfrearte.com/stephenshore/es/
Adams, Sternfeld, Evans, Frank y Shore son algunos de los apellidos de grandes fotógrafos en mayúsculas unidos al paisaje norteamericano. La exposición imprescindible de este otoño en Madrid abre sus puertas estos días en la Fundación Mapfre a la que hay que agradecer el trabajo de producción de la misma y su itinerancia por una serie de países que podrán disfrutar también de ella.

 Rueda de prensa de la exposición junto a Stephen Shore
 Stephen Shore en Madrid, maestro de maestros

 Fundación Mapfre presents the first retrospective exhibition of the work of Stephen Shore, an acclaimed contemporary photographer who has inspired several generations of artists and remains a constant and undisputable reference for upcoming young photographers. His solid body of work as well as the theoretical aspects of the medium conveyed through his teaching have made a pivotal contribution to the evolution of the photographic language.

Throughout his extensive career, which began with a show at the Metropolitan Art Museum of New York when he was just 23 years old, Shore has received prestigious awards, published numerous monographs—some of them now cult objects—and held more than 50 individual exhibits at major venues around the world.

This show comprises of near 300 works and explores the core concepts of his photographic work: reflections on the language of photography, the analysis of landscape, and the meaningful use of both colour and black and white. The selection includes famous projects like Uncommon Places and American Surfaces, as well as some of his most important subsequent work, which has either not been published extensively or has not been published at all.



 U.S. 97, South of Klamath Falls, Oregon, July 21, 1973.

 Stephen Shore, Ginger Shore Causeway Inn, Tampa, Florida, November 17, 1977, 1977–2004. 
 C-print, 20 x 24 inches. © Stephen Shore. Courtesy 303 Gallery, New York.

'Ginger Shore, Causeway Inn, Tampa, Florida, 17 de noviembre de 1977'. De la serie Uncommon Places Foto de Shore tomada en Tampa (Florida) en 1977 para la serie 'Uncommon Places'. Con un orden cronológico y un recorrido por las cuatro décadas de la carrera del artista, la retrospectiva 'Stephen Shore' reúne algunas de las series de fotografías más significativas del artista, decisivo en la consideración de la foto a color como arte (© Stephen Shore. Cortesía 303 Gallery, Nueva York)

Ver más en: http://www.20minutos.es/fotos/artes/retrospectiva-en-madrid-de-stephen-shore-10790/#xtor=AD-15&xts=467263
Sunset Drive In, West 9th Avenue, Amarillo, Texas, 1974 digital pigment print, printed 1996.

 http://www.20minutos.es/noticia/2237803/0/stephen-shore/retrospectiva/fundacion-mapfre-madrid/
Stephen Shore (Nueva York, 1947) tenía seis años cuando le regalaron un kit básico de fotografía. A los 10 le regalaron el libro American Photographs (Fotografías estadounidenses) de Walker Evans, que le abrió la mente a las posibilidades de mirar por el objetivo de una cámara. A los 14 se armó de valor y le presentó sus obras al imprescindible Edward Steichen, que compró al adolescente Shore tres copias. Cuando aún no había cumplido los 24, ya era el segundo fotógrafo vivo en exponer en solitario en el Metropolitan de Nueva York. El primero había sido —40 años antes— otro maestro, Alfred Stieglitz. En la misma época, entre 1965 y 1967, fue visitante asiduo de la Factory de Andy Warhol. El currículum de niño prodigio dio pie a la renovación generacional, sus trabajos son el punto de partida de un lenguaje aparentemente distante y desinteresado que ahora domina el panorama fotográfico. Con un orden cronológico y un recorrido por las cuatro décadas de la carrera del artista, la retrospectiva Stephen Shore reúne algunas de las series de fotografías más significativas de una figura decisiva en la consideración de la foto a color en el mundo del arte. Producida por la Fundación Mapfre, la muestra se inaugura en Madrid el 19 de septiembre —en la sala de Bárbara de Braganza, 13— y permanecerá en cartel hasta el 30 de noviembre. Tras su paso por la capital, viajará a Francia, Alemania, Italia y Ámsterdam.

Ver más en: http://www.20minutos.es/noticia/2237803/0/stephen-shore/retrospectiva/fundacion-mapfre-madrid/#xtor=AD-15&xts=467263


En la retrospectiva que se inaugura este viernes 19 se puede disfrutar de prácticamente toda su obra: sus primeras fotografías en blanco y negro realizadas cuando era todavía un adolescente, sus trabajos de los años 70 como American Surfaces o Uncommon Places, las panorámicas de las calles de Nueva York realizadas entre 2000 y 2002 (un increíble acercamiento a la “street photography” con una cámara de placas, que recuerda a Paul Graham), o Ucrania y Winslow, Arizona, dos de sus últimas y más recientes series (de Ucrania, la serie sobre los supervivientes del Holocausto, comentó que su problema fue cómo hacer unas fotos que transmitieran el nivel emocional de la tragedia que sufrieron, pero sin explotarla). Actualmente está enfrascado en un proyecto en Instagram (@stephen.shore).
No sólo os recomendamos que vayáis a ver y disfrutéis de la excelente exposición de Stephen Shore en la Fundación Mapfre (después de Madrid irá a Arlés, Turín, Berlín y Ámsterdam) sino que también os recomendamos que adquiráis el catálogo, que es una auténtica maravilla (excelentemente editado, como todos los de Mapfre). Aparte de la edición en español, se publicará también en inglés, alemán, francés e italiano, y la suma de todas las ediciones llegará a casi 17.000 ejemplares.

NOTA: En Fundación Mapfre tenéis una web dedicada a la exposición. También podéis ver la obra de Stephen Shore y estar al día sobre su trabajo y exposiciones en stephenshore.net y en www.303gallery.com.
 http://www.indienauta.com/stephen-shore-fundacion-mapfre-madrid-del-19-de-septiembre-al-22-de-noviembre-de-2014/
 http://www.radiointereconomia.com/2014/09/16/stephen-shore-uno-de-los-fotografos-fundamentales-del-siglo-xx-en-mapfre/




 Mujer que enseña su pie sucio, perro rabioso al que le brillan los ojos, calcetines azules horribles con zapatos de piel marrón y pantalón corto, mesilla de noche de hotelucho, comida precocinada asquerosa, rejas oxidadas de un ascensor, entrepierna con calzoncillo mugriento, escaparate vacío, aparcamiento, catálogo de tapizados, nevera sin comida llena de cochambre, estanquera, quitamiedos rozado con montañas al fondo, taza de váter en baño verde y así hasta el infinito de la cotidianidad más vulgar, del momento menos monumental. Las fotografías de Stephen Shore (EEUU, 1947) acabaron con el acontecimiento y fulminaron el instante decisivo.
Hace más de cincuenta años Shore aterrizó en un planeta llamado trivialidad y en él ha crecido como uno de los fotógrafos más influyentes -piensen en Nan Goldin, Thomas Struth o Martin Parr y verán en Shore a su padre putativo-, desmontando las tablas de los diez mandamientos de Henri Cartier-Bresson. Reivindica la antiespectacularidad: “Todo ello fotografiado como lo haría supuestamente cualquier turista, en un estilo anónimo”, explica Marta Dahó, comisaria de la primera retrospectiva del artista, que corre a cargo de la Fundación Mapfre con casi 300 imágenes (hasta el 29 de noviembre).
Shore quiere ser amateur y mirar sin formación, como un recién llegado, como lo que a simple vista parece error y dejadez. Pues bien, el fracaso es todo un éxito: el golpe de flash que ciega parte de la imagen iluminada, la sombra negra dura que provoca, encuadres imposibles y composiciones rotas. “Acciones y momentos de atención que, por lo demás, supondrían la culminación de lo cotidiano en su vertiente más prosaica al definir un día cualquiera”, dice Dahó.
La muestra recorre su precoz carrera, desde los sesenta hasta la actualidad, en dos plantas. La superior muestra los trabajos por los que ha pasado a la historia, básicamente American Surfaces y Uncommom Places. En la baja, su obra a partir de los años noventa. American Surfaces (1972-1973) son cosas, Uncommon Places (1973-1981) son escenas, desde las superficies a los lugares. No hay vistas espectaculares, ni lugares memorables en su viaje, camina con una pequeña cámara compacta de 35 mm y actúa contra el estilo documental de Walker Evans. Quiere la foto menos mediada por la experiencia artística.
El falso espontáneo
“A los dos días de empezar el viaje me di cuenta de que le estaba haciendo fotos a lo que comía, a las camas en las que dormía. Estaba haciendo un diario”, relata el artista sobre los 18 meses de viajes en los que fraguó las instantáneas de American Surfaces. Por supuesto, cuando lo expuso por primera vez en 1972 la recepción fue nefasta. Reseñas en las que calificaban el trabajo de horrible, de vulgar, de ausencia de oficio, el tema era inaceptable… ¡y en color!
Hoy todas estas instantáneas son apropiadas, habituales y hasta correctas, porque es el modelo que inunda la red de redes. Pero un trabajo como 22 de julio de 1969 hizo daño: una gran plancha sobre la que Shore ha colocado varias decenas de polaroids que muestran momentos de su día. El origen del diario, de la autorreferencia.  
La muestra recorre su precoz carrera, desde los sesenta hasta la actualidad, en dos plantas. La superior muestra los trabajos por los que ha pasado a la historia, básicamente American Surfaces y Uncommom Places. En la baja, su obra a partir de los años noventa. American Surfaces (1972-1973) son cosas, Uncommon Places (1973-1981) son escenas, desde las superficies a los lugares. No hay vistas espectaculares, ni lugares memorables en su viaje, camina con una pequeña cámara compacta de 35 mm y actúa contra el estilo documental de Walker Evans. Quiere la foto menos mediada por la experiencia artística.
El falso espontáneo
“A los dos días de empezar el viaje me di cuenta de que le estaba haciendo fotos a lo que comía, a las camas en las que dormía. Estaba haciendo un diario”, relata el artista sobre los 18 meses de viajes en los que fraguó las instantáneas de American Surfaces. Por supuesto, cuando lo expuso por primera vez en 1972 la recepción fue nefasta. Reseñas en las que calificaban el trabajo de horrible, de vulgar, de ausencia de oficio, el tema era inaceptable… ¡y en color!
Hoy todas estas instantáneas son apropiadas, habituales y hasta correctas, porque es el modelo que inunda la red de redes. Pero un trabajo como 22 de julio de 1969 hizo daño: una gran plancha sobre la que Shore ha colocado varias decenas de polaroids que muestran momentos de su día. El origen del diario, de la autorreferencia. 

Peio H. Riaño para El Confidencial

http://www.elconfidencial.com/cultura/2014-09-17/stephen-shore-el-fotografo-que-fulmino-los-mandamientos-de-henri-cartier-bresson_197820/
Fotografías de la exposición: José Jurado

16/9/2014

"La isla mínima" de Alberto Rodríguez, 2014.

 Película: La isla mínima. Dirección: Alberto Rodríguez. País: España. Año: 2014. Género: Acción, drama, policiacothriller. Interpretación: Antonio de la Torre, Raúl Arévalo, Javier Gutiérrez, Nerea Barros, Jesús Carroza. Guion: Rafael Cobos y Alberto Rodríguez. Producción: Mercedes Gamero, Gervasio Iglesias y Mikel Lejarza. Música: Julio de la Rosa. Fotografía: Alex Catalán. Montaje: José M.G. Moyano. Vestuario: Fernando García. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España. Estreno en España: Otoño 2014. Estreno en España: 26 Septiembre 2014.
Alberto Rodríguez (“Grupo 7″) dirige el thriller “La isla mínima”, en la que podremos ver a Antonio de la Torre, Raúl Arévalo, Javier Gutiérrez y Jesús Carroza.
Sinopsis:  
Sevilla, principios de los años 80. Una pareja de policías son enviados desde Madrid a la provincia de Sevilla para investigar la desaparición de dos jóvenes en las marismas del Guadalquivir.
Lo que allí se encuentran es un paraje rural marcado por la presencia de un asesino y habitado por una comunidad cerrada y anclada en el pasado. La última película de Alberto Rodríguez es una historia de personajes atrapados y atmósferas subyugantes que nos traslada a los primeros años de la democracia, marcados por la desigualdad y las diferencias ideológicas, a través de la historia de dos policías diametralmente opuestos interpretados por Rául Arévalo y Javier Gutiérrez. Una suerte de True Detective a la española que también protagonizan Antonio de la Torre, Jesús Castro, Jesús Carroza y Nerea Barros.

'La isla mínima' (2014) es el nuevo trabajo de Alberto Rodríguez, del que aquí os traemos su tráiler —bastante bien montado, por cierto—. Reconozco que mi tocayo es un director que al principio no me interesaba demasiado con films como '7 vírgenes' (2005) o 'After' (2009). Pero un día este andaluz filmó la que para mí es una de las mejores cintas españolas de los últimos años: 'Grupo 7' (2012), un magistral thriller dirigido con nervio y pasión.
Rodríguez repite género, y también ambienta su historia —el guión ha sido escrito por él al lado de Rafael Cobos— en el pasado de nuestro país. Si en 'Grupo 7' era la Sevilla de principios de los noventa, en 'La isla mínima' estamos en el Madrid de 1980, en el que dos policías de caracteres opuestos deben llevar el caso de dos chicas asesinadas en un pueblecito en las orillas del Guadalquivir.
Antonio de la Torre —probablemente el mejor actor de su generación—, Javier Gutiérrez y Raúl Arévalo encabezan el reparto de la película, que llegará a nuestras pantallas el próximo 26 de septiembre. Ganazas.
Alberto Abuín para la web Blogdecine.